Thematic section no 273 “Practice”

What do artists practise, if not a discipline? The list of art disciplines has always been long; each might be manifested in a variety of material or conceptual possibilities, depending on how it is activated within the context of a particular practice. Interdisciplinarity was not born yesterday, and it is at the very foundation of art, stimulating experimentation and a rebellious, inventive spirit. Contemporary art, by establishing a language that encourages not disciplinary distinctions but the agentivity of the artwork, according to how materials and bodies are spatially and temporally organized, offers fertile soil for exploration. More than producing disciplinary crossover, the artwork becomes embodied research as artists activate space, time, and bodies (their own and others’). Art, to refer to the expression of RoseLee Goldberg in her ground-breaking 1975 essay^[1], can use space as praxis. Some artists don’t describe their approach in terms of discipline, preferring to play with language; “disciplinary fluidity,” “a-disciplinary,” “anti-disciplinary,” “un-disciplinary,” and “non-disciplinary” are among the newly coined expressions sprinkled through essays on art practice. By using this vocabulary, do creators seek to grant themselves the leisure, even if temporary, of escaping definition? From what conditions that qualify the formation of a discipline do artists wish to free themselves?

These ideas may be linked to profound identity-related questions that have been shaking up societies for several decades, as searches for collective meaning and self-liberation have grown. Such practices may also be integral to a more global reflection on art, in which the artwork would be recognized as one element among others within a social and cultural macrocosm whose scope surpasses the art field alone. Another hypothesis is that artists who reject disciplinary categories – as distinguished those who mix disciplines in their practices – do so to challenge, from a historical point of view, the parameters that have been used to define these categories, according to criteria whose neutrality has come under criticism. Might class consciousness be the justification for disciplinary silos? Does the very notion of discipline betray a capability-based vision of the creative gesture? Would engaging in a practice that overflows disciplines make the otherwise codified language of art more familiar? Or, rather, would it give rise to research that is more specialized, even more embodied?

Starting from this premise, in this thematic section we want to examine how artists “practise” their art. Practising something means mainly experimenting with one’s technique and putting oneself in a situation in which one simulates the achievement of an objective by repetition of a learning process. When we subtract the discipline itself from the equation, what is it that one “practises,” really, in art? What aptitudes are perfected by “practising”? Where does error fit into these approaches?

In this section of the next winter’s issue (#273), “Practice,” we want to lift the curtain on the creative process to capture what motivates artists in defining their field of action as “a-disciplinary,” “un-disciplinary,” “anti-disciplinary,” “non-disciplinary,” or as related to “disciplinary fluidity.” What can we deduce from these terms? Authors may discuss works in which non-artistic knowledge is incubated, analyze the disciplinary fluidity of one artist in particular, or make comparisons among related attitudes in the practices of several artists. In doing this, the authors may bring to light artists who, rather than undertaking a critical discourse on disciplinary silos, pay no attention to them in their creative process. Essays submitted must base the analysis on the conditions of practice – that is, keep in mind a neo-materialist approach, recognizing the reciprocal agency among the artist, the artwork, its material, its space, and its time.

All submissions for the section must include a note of intention related to the theme, including the anticipated subject (350 words), a list of artists and artworks that will be analyzed, three excerpts of previous writings (published or not), and a short (25 words) biography of the author. Submissions must be sent in one PDF named accordingly (NAME_pitch_DT273) to info@viedesarts.com before July 23th 2023. We will contact the prospective authors, and the final articles, following a commission previously received from the editor, must be delivered in September 2023.

Please note that at this stage, we want to receive notes of intention (350 words) and not complete articles. Also, proposals written by artists about their own work will not be prioritized. In the interest of encouraging a plurality of voices and of views of contemporary art, Vie des arts offers a specific – though not exclusive – invitation to Indigenous people and people from culturally diverse backgrounds to submit article proposals.

^[1] In Goldberg’s view, the profound characteristic of contemporary art, as she saw it becoming in 1975, resides in the fact that in their works artists seek to materialize concepts “beyond the realm of the mind.” And, “although the form of each of these works and the medium used may differ considerably, the relationship between the intentions of the various artists is often quite an intimate one. What really alters the perception of the respective pieces is the means and places chosen for their execution.” RoseLee Goldberg, “Space as Praxis,” Studio International 190, no. 977 (September 1975): 130 (emphasis in original).

Appel de propositions : Dossier no. 273 « Pratique »

date de tombée : 23 juillet 2023

No 273, Hiver 2024 (parution janvier 2024)

Pratique

Que pratiquent les artistes, si ce n’est pas une discipline ? Le registre disciplinaire de l’art a toujours été vaste, chacune de ses incarnations pouvant mettre au monde des possibilités matérielles ou conceptuelles variées, selon les manières dont elles sont activées dans le cadre d’une pratique spécifique. L’interdisciplinarité ne date pas d’hier, et elle est au fondement même de l’art, qui stimule un état de recherche, un esprit rebelle et inventif. L’art contemporain, en instaurant un langage qui privilégie non pas les distinctions disciplinaires, mais bien les possibilités agentielles de l’œuvre, selon l’organisation spatiale et temporelle des matériaux et des corps, est un terreau fertile à l’expérimentation. Cet aspect permet à l’œuvre de se faire méthode de recherche incarnée – embodied research –, les artistes travaillant avec l’espace, le temps et le(s) corps (le leur comme celui des autres). L’art devient ainsi une « pratique de l’espace », pour reprendre la formule de RoseLee Goldberg dans son essai phare de 1975^[1]. Certain-es artistes ne décriront pas leur démarche en termes de disciplines, préférant jouer avec le langage : « fluidité disciplinaire », « a-disciplinaire », « anti-disciplinaire », « in-disciplinaire », « non disciplinaire », etc. sont autant de nouveaux mots qui viennent émailler les textes portant sur la pratique artistique. En utilisant ce vocabulaire, les créateur-rices chercheraient-iels à s’accorder le loisir, pour une période donnée, de ne pas se définir ? Serait-ce pour favoriser une expérimentation libre ? De quelles conditions préalables à la formation d’une discipline les artistes s’efforcent-iels de s’émanciper ?

Ces attitudes pourraient être liées aux questionnements identitaires profonds qui secouent nos sociétés depuis quelques décennies, marquées par une recherche de sens collectif et d’émancipation de soi. Ces pratiques pourraient aussi trouver leur motivation dans une réflexion plus globale sur l’art – par laquelle on reconnaîtrait l’œuvre comme un élément parmi d’autres au sein d’un macrocosme social et culturel, dont la portée dépasserait le seul champ artistique. Une autre hypothèse serait que ces pratiques qui rejettent les catégories disciplinaires – à distinguer des approches mêlant les disciplines – le font pour remettre en question, d’un point de vue historique, les paramètres qui auraient participé à définir lesdites catégories, selon des critères dont la neutralité est désormais critiquée. Y aurait-il une conscience de classe qui justifie les silos disciplinaires ? La notion même de discipline trahirait-elle une vision capacitaire du geste de création ? Le fait de s’engager dans une pratique dépassant les disciplines permettrait-il de rendre plus familier le langage autrement codifié de l’art ? Ou plutôt, cette attitude donnerait-elle lieu à une recherche plus spécialisée, voire plus incarnée ?

En partant de cette prémisse, nous souhaitons dans ce dossier nous pencher sur la manière dont les artistes « pratiquent » leur art. Car pratiquer quelque chose, c’est surtout expérimenter sa technique et se mettre dans une condition où l’on simule la réalisation d’un objectif, par la répétition d’un bagage d’apprentissage. En soustrayant de l’équation la discipline à proprement parler, qu’est-ce donc que l’on « pratique », réellement, dans l’art ? Quelles aptitudes sont perfectionnées par lui ? Quelle est la place de l’erreur dans ces démarches ?

Avec ce dossier « Pratique », nous cherchons ainsi à pénétrer dans les coulisses de la création pour saisir ce qui motive les artistes dans la définition de leur champ d’action en tant que pratique « a-disciplinaire », « indisciplinaire », « anti-disciplinaire », « non disciplinaire », ou relevant de la « fluidité disciplinaire ». Que peut-on déduire de ce langage ? Les auteurs-rices pourraient donc cibler des œuvres incubant des connaissances non artistiques, analyser la fluidité disciplinaire chez un-e artiste en particulier, ou établir des comparaisons pour déceler des attitudes connexes dans la pratique de plusieurs artistes. Ce faisant, iels pourraient mettre en lumière des créateur-rices qui, au lieu de porter un discours critique sur les silos disciplinaires, n’y accordent au contraire aucune attention dans le cadre de leur processus créatif. Les notes soumises devront axer leur analyse sur les conditions de la pratique, c’est-à-dire garder en tête une approche néo-matérialiste, reconnaissant l’agentivité réciproque entre l’artiste, l’œuvre, sa matière, son espace et son temps.

Toutes les soumissions pour le dossier doivent comprendre une note d’intention en lien avec la thématique, incluant le sujet anticipé (350 mots), la liste des artistes et des œuvres qui seront analysés dans le texte, trois extraits de textes antérieurs (publiés ou non) ainsi qu’une courte biographie de l’autrice ou de l’auteur (25 mots). Les documents doivent être fournis en un seul PDF respectant la nomenclature « NOM_appel_DT273 », à info@viedesarts.com avant le 23 juillet 2023. Nous ferons un suivi avec les autrices et les auteurs pressenti-e-s, et les textes finaux, suivant la commande préalablement prise avec la rédaction, devront être rendus au courant du mois de septembre 2023.

À noter qu’à ce stade, nous désirons recevoir des notes d’intentions (350 mots) et non des articles complets. Les propositions d’artistes portant sur leur propre travail ne seront pas priorisées. Dans l’optique de favoriser une pluralité de voix et de regards sur l’art actuel, Vie des arts souhaite lancer une invitation spécifique, mais non exclusive, aux personnes autochtones et issues des diversités culturelles afin qu’elles soumettent une proposition d’article.

^[1] Selon Goldberg, la caractéristique profonde de l’art contemporain, tel qu’elle le voit advenir en 1975, réside dans le fait que les œuvres cherchent plutôt à matérialiser les concepts « au-delà du spectre de l’esprit […]. Et, bien que la forme de ces œuvres et leurs médiums puissent différer considérablement, ce qui lie l’artiste à ses intentions est souvent d’une nature plus intime. Les données qui altèrent réellement la compréhension que nous pouvons avoir des différentes œuvres sont les moyens et les lieux choisis pour leur exécution » (traduction libre et extrait de RoseLee Goldberg, « Space as Praxis », Studio International, vol. 190, n^o 977 (Septembre1975), p. 130. Citation originale en anglais : « the matelialization of these concepts beyond the realm of the mind has allowed for the inclusion of greatly varied art works, separately and conveniently named body art, land art, performance art, and so on. Although the form of each of these works and the medium used may differ considerably, the relationship between the intentions of the various artists is often quite an intimate one. What really alters the perception of the respective pieces is the means and places chosen for their execution. »