Dans ce numéro, qui multiplie les témoignages et additionne les héritages, nous nous tournons vers une figure dont l’apport nous semble à jamais inestimable. En 2023, Françoise Sullivan célébrait ses cent ans. Aujourd’hui, elle cumule les efforts consacrés à une pratique de la résilience et de l’émancipation. Artiste interdisciplinaire, avant même que le terme ne s’impose dans nos discours, elle a contribué tant par son investissement auprès des automatistes que par ses initiatives manifestes, comme la cosignature de Refus global (1948). Cette précurseure a traversé et bien souvent devancé les idéologies et les courants artistiques. Sullivan, avec de nouvelles manières de faire – en marge, plus expérimentales, intuitives, improvisées impulsives, militantes et en discontinuité –, était, dès le début des années 1940, une avant-avant-gardiste.

Par ce dossier intitulé L’effet Sullivan, nous célébrons et commémorons le parcours d’une figure ascendante, dont la portée s’est étendue dans le temps comme une onde. Ce numéro propose ainsi d’envisager, au-delà de son influence, l’« effet » qu’elle a eu et qui se poursuit encore. Cette incidence vise la résonance de toute une vie d’artiste.

Le dossier sillonne la carrière d’une artiste totale qui a toujours été au-delà de ce qui était attendu. Le portrait de Sullivan, capté par Guillaume Simoneau et rédigé par Florence-Agathe Dubé Moreau, nous invite dans un contexte d’amitié, de confiance et de confidence.

Le corpus de textes qui suit nous offre des témoignages de personnes ayant rencontré Sullivan. Leurs écrits servent de repères spatio-temporels qui (ré)attestent, ici et maintenant, des périodes charnières et certains interstices de sa vie d’artiste. Ses actions du passé sont réactualisées à travers les récits visuels présentés, notamment avec le palimpseste de partitions gestuelles de Betty Pomerleau – inspiré par la remarquable Danse dans la neige (1948) –, puis avec l’hommage de Steve Giasson, qui réaffirme la nécessité et la persistance des références associées à son œuvre Rencontre avec Apollon archaïque (1974). Le dossier nous télescope également au centre d’artistes La Chambre Blanche, à l’intervalle des années 1970 et 1980, avec une Raymonde April ostensiblement animée par les photographies – et la présence – de Sullivan. Dans cette filiation, la pratique chorégraphique de My-Van Dam est mise en parallèle avec celle de la grande dame, comparant ainsi leurs approches intersectionnelles de résistance et de guérison. Quant à lui, le poème déambulatoire de Maude Veilleux donne à lire une reconstitution de la Promenade entre le Musée d’art contemporain et le Musée des beaux-arts de Montréal (1970). Enfin, une analyse méthodique nous démontre de quelles façons les œuvres récentes de Sullivan prolongent l’héritage du Refus global en renouvelant une quête de l’immatériel, à la limite du spirituel.

Après 280 saisons, nous marquons un recommencement, tant pour Vie des arts, que pour celle qui a fait la couverture de notre périodique il y a tout juste 20 ans. À l’image de cette icône intemporelle, ce numéro aspire à être une mémoire vivante et vibrante.

Jean-Michel Quirion

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À la suite d’échanges avec les membres du Regroupement des centres d’artistes autogérés du Québec (RCAAQ), qui célèbre ses 40 ans d’existence, un constat s’est imposé : la présence d’une revue spécialisée en art actuel dans les régions constitue un levier essentiel pour la reconnaissance des lieux, la mise en valeur des démarches et la transmission d’expériences artistiques situées.   

Le RCAAQ et Vie des arts lancent l’appel de textes Les détours de l’été, en écho au cahier éponyme publié de 2021 à 2023, consacré à l’actualité artistique estivale. Cette nouvelle mouture, déployée comme un espace éditorial virtuel exclusif, vise à encourager des écritures critiques attentives aux spécificités territoriales et aux conditions dans lesquelles les œuvres émergent.  

Les territoires plus éloignés se caractérisent souvent par des conditions singulières – distances, infrastructures variables, rythmes saisonniers, diversité linguistique – qui influencent la production, la diffusion et la réception de l’art. Dans ces milieux, les centres d’artistes autogérés jouent un rôle clé en soutenant la création et l’expérimentation : résidences, projets in situ, collaborations interdisciplinaires et initiatives ancrées dans les communautés. Ces ancrages offrent des perspectives fécondes pour renouveler les approches critiques et élargir les regards portés sur l’art actuel au Québec.  

Cette initiative poursuit plusieurs objectifs :  

• Élargir le réseau d’auteur·rice·s  en donnant la parole à des voix issues de différentes régions du Québec et d’expertises variées (arts visuels, arts vivants, littérature, histoire, science, politique, etc.) ; 

• Soutenir la vitalité discursive des milieux artistiques régionaux par la production de textes ancrés dans leurs réalités ;  

• Diversifier les formes d’écriture en accueillant des approches variées : analyses critiques, entretiens, récits situés, correspondances, portraits d’artistes ou essais hybrides ;  

• Accroître la visibilité des organismes et des artistes actif·ve·s en région, en soulignant le rôle structurant des centres d’artistes autogérés dans la production et la diffusion de l’art actuel ;  

• Favoriser la circulation des idées et des savoirs entre les différentes scènes artistiques ;  

• Encourager la pluralité linguistique et culturelle, notamment dans les zones frontalières et/ou bilingues.  

Les propositions doivent porter sur l’actualité artistique d’une région du Québec située hors de Montréal et de Québec. Les textes pourront aborder, par exemple :  

• Une exposition ou un événement artistique ;  

• Une résidence, une visite d’atelier – ou faire état d’un processus de création d’un·e artiste ou d’un collectif ;  

• Un entretien avec un acteur·rice d’un milieu (artiste, collectif, commissaire, auteur·rice, chercheur·euse, travailleur·euse culturel·le ;   

• Une réflexion ancrée dans un territoire spécifique : les dynamiques propres à un lieu ou à une communauté artistique ;  

• Un centre d’artistes autogéré : les fonctionnements, les modes de gouvernance ou les pratiques de programmation, et la manière dont les structures façonnent les pratiques artistiques locales.  

Trois propositions seront retenues. Les textes sélectionnés seront publiés sur la plateforme numérique de Vie des arts entre juin et septembre. Leur diffusion sera également relayée en collaboration avec le Réseau Art Actuel afin d’en élargir la trajectoire de ces textes.   

Soumettre une note d’intention  

Les auteur·rice·s intéressé·e·s sont invité·e·s à transmettre, d’ici le 26 avril 2026 à 23 h 59, à l’adresse courriel appels@viedesarts.com, une note d’intention d’environ 250 mots présentant :  

• Le sujet envisagé ;  

• Le contexte régional concerné ;  

• Les artistes, œuvres, récits ou lieux qui seront abordés (s’il y a lieu).  

Les auteur·rice·s dont les propositions seront retenues seront contacté·e·s par la rédaction. Les textes finaux devront compter 1000 mots, selon la politique éditoriale de Vie des arts.   

Le cachet est de 80 $ par feuillet de 250 mots (excluant les notes de bas de page). Les auteur·rice·s reçoivent également un abonnement numérique d’un an (trois numéros).  

Selon le contexte de rédaction, le RCAAQ s’engage à rembourser des frais de déplacement et d’hébergement, jusqu’à un maximum de 150 $ par commande de texte (sur présentation de facture). 

Mission du RCAAQ  

Fondé en 1986, le Regroupement des centres d’artistes autogérés du Québec (RCAAQ) est un organisme national dont la mission est de rassembler, représenter, servir et promouvoir les centres d’artistes autogérés du Québec. Afin de stimuler le déploiement de l’art dans la société, il soutient les principes fondamentaux des centres d’artistes, notamment la gestion par les artistes, l’expérimentation et la prise de risque artistique, l’épanouissement professionnel, l’accessibilité, la participation et la reconnaissance de l’art actuel et son rôle dans la société. Guidé par des valeurs de solidarité, d’inclusion et de transparence, le RCAAQ œuvre à valoriser les expertises de son milieu et à améliorer les conditions socioéconomiques des artistes et des travailleur·euse·s culturel·le·s.  

Organisme de services, le RCAAQ travaille au rayonnement de ses membres dans toute leur diversité. Il assure leur représentation auprès des instances gouvernementales et politiques, propose des services de promotion de leurs activités, ainsi que de la formation et du perfectionnement, et met à leur disposition des outils et ressources pour soutenir leur développement. Il organise des activités de réseautage, réalise des études et rassemble de la documentation. Porte-parole majeur des arts visuels, il joue un rôle essentiel au sein du réseau des associations québécoises et canadiennes des arts, et contribue ainsi activement à la définition et au développement des grands enjeux culturels.  

Mission de Vie des arts  

Vie des arts est une revue francophone trimestrielle d’une centaine de pages consacrée aux arts visuels québécois et canadiens. Elle est aujourd’hui la plus ancienne revue vouée aux arts au Canada.    

La mission de Vie des arts est d’informer sur les pratiques actuelles et contemporaines en proposant des clés de lecture qui favorisent la compréhension et l’appréciation critique.    

Par le biais d’un langage équivoque – écrit et visuel –, la revue ne prétend pas se substituer à l’expérience d’une œuvre ; elle vise à perpétuer, comme une extension, la rencontre dans ses publications papier et numérique. Sensible au processus, le périodique invite à l’expérimentation rédactionnelle et l’exploration artistique.    

En sollicitant des voix et des points de vue multiples sur des aspects sociaux et politiques de la création, Vie des arts ouvre un espace discursif d’écriture et de lecture à des communautés plurielles.   

Média culturel indépendant, la revue s’engage à rendre accessibles des contenus rigoureux, tout en affirmant la liberté d’expression comme condition essentielle de la pensée critique.    

Parler d’art : voilà ce que nous faisons.   

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Présentation du prix

L’agencement des angles qui composent le polygone, les bases qui lui tiennent lieu d’assises, tout comme ses manières de se déployer sont d’une infinie diversité. Un prix est créé à son image, afin de soutenir la multiplicité des provenances et des modes d’être et de faire de la création et de mieux reconnaître la diversité des pratiques en arts visuels.

Le prix Polygone reconnaît le travail d’un·e artiste ou d’un collectif d’artistes ayant une pratique en arts visuels, en octroyant une bourse de 10 000 $ du Conseil des arts de Montréal afin de souligner une démarche artistique singulière.

Le prix Polygone récompense un·e artiste ou un collectif à toute étape de leur carrière, dont la pratique professionnelle, tous médiums confondus, explore des avenues de recherche peu représentées, voire invisibilisées, et présente un fort potentiel d’enrichissement de l’imaginaire et des significations produites sur l’art, tout en contribuant à faire évoluer les repères esthétiques et sociaux. Qu’il s’agisse d’artistes autodidactes ou issu·e·s de parcours atypiques, elles et ils doivent avoir obtenu une forme de reconnaissance de leurs pair·e·s.

L’artiste ou le collectif en arts visuels qui recevra le prix bénéficiera d’une bourse et fera l’objet d’un article publié dans la revue Vie des arts portant sur son travail.

Le nom de la personne lauréate sera annoncé publiquement lors de la remise du prix qui aura lieu à l’automne 2026.

Le prix vise à :

• Mettre en lumière des pratiques singulières et sous-représentées en arts visuels;
• Valoriser la diversité des langages artistiques, des codes formels et des approches critiques en arts visuels;
• Sensibiliser le public à cette pluralité de pratiques;
• Soutenir le développement et le rayonnement des artistes finalistes et de la personne ou du collectif lauréate ;
• Faciliter l’intégration et la mise en réseau de ces artistes au sein du milieu professionnel des arts visuels montréalais.

Admissibilité

Artiste ou collectif d’artistes œuvrant en arts visuels ayant une pratique professionnelle :

• N’ayant jamais reçu de prix dans un cadre professionnel ;
• Considérant ne pas faire partie du réseau de diffusion officiel des arts visuels à Montréal (aucune exposition solo à son actif dans une institution reconnue).

Pour un·e artiste individuel·le :

• Répondre à la définition du Conseil d’artiste de pratique professionnelle ;
• Avoir son domicile sur l’île de Montréal ;
• Pour les artistes autochtones seulement, avoir son domicile sur le territoire de l’île de Montréal à un maximum de 50 km environnant (comprenant les communautés de Kahnawake et Kanesatake) et travailler sur le territoire de l’île de Montréal ;

Avoir la citoyenneté canadienne ou la résidence permanente au Canada à la date de dépôt de la demande.

Pour un collectif d’artistes :

• • • Être représenté par une personne responsable de la demande ;
    • Être un groupe d’artistes, quel qu’en soit le nombre (minimum deux artistes) ;
    • Être composé aux deux tiers d’artistes ayant la citoyenneté ou la résidence permanente canadienne, la proportion des membres du collectif résidant à l’extérieur du Canada ne peut dépasser le tiers ;
    • Être composé d’artistes majoritairement domicilié·e·s (50 % + 1) sur le territoire de l’Île de Montréal dont la personne responsable de la demande
    • Être composé d’artistes de pratique professionnelle qui répondent à la définition du Conseil.

Dépôt de candidature

La mise en candidature peut être faite par l’artiste ou le collectif lui-même, ou par une tierce personne occupant un rôle professionnel dans le milieu des arts ou dans le milieu des pairs de l’artiste.

L’artiste ou le collectif doit remplir le formulaire disponible ici et faire parvenir son portfolio par Smash à l’adresse suivante : info@viedesarts.com.

Les éléments suivants seront demandés dans le formulaire :

• • • Une lettre présentant le parcours de l’artiste ou du collectif, incluant une courte biographie et une description de sa démarche artistique (500 mots max.) ;
    • Un argumentaire expliquant les raisons pour lesquelles la candidature proposée est pertinente pour l’obtention du prix (300 mots max.) ;
    • Un portfolio, comprenant un maximum de 15 images des œuvres, accompagné d’une liste descriptive (titre, date, médium, dimensions).

Le traitement des dossiers de candidatures se fera par Vie des arts et l’admissibilité des personnes candidates sera confirmée par le Conseil.

Date limite
La date limite de dépôt du dossier de candidature (incluant le formulaire de candidature et le portfolio) est le mercredi 22 avril, à 23h59.

Évaluation
Les candidatures seront évaluées par un comité composé de cinq (5) membres reconnu·e·s pour leur compétence dans le secteur des arts visuels montréalais et leur bonne connaissance de ce milieu et des enjeux ciblés par le Prix. Les membres seront sélectionné·e·s en collaboration entre le Conseil des arts de Montréal et Vie des arts. Ce dernier désignera une personne observatrice des délibérations.

Le Conseil s’assurera, avec Vie des arts, de veiller à la représentativité de la composition de chaque jury en respectant sa vision d’équité, de diversité et d’inclusion. Le comité d’évaluation portera une attention particulière aux artistes de la diversité.

Les dossiers seront évalués selon les critères suivants :

• • • La qualité et la pertinence du parcours artistique ;
    • La cohérence entre les intentions et l’œuvre de l’artiste dans l’autodétermination de sa pratique ;
    • L’incidence de la proposition artistique sur l’étendue des connaissances sur l’art ;
    • La contribution et la mise en valeur de la diversité des pratiques dans le milieu des arts visuels ;
    • L’impact potentiel du prix sur les publics, les communautés artistiques montréalaises et sur le parcours de l’artiste.

Modalités de paiement
Le prix de 10 000 $ sera payé en un seul versement par Vie des arts au nom du Conseil des arts de Montréal, à la suite de l’annonce de la personne ou du collectif lauréat·e.

Personnes-ressources
Charles-Antoine Goulet
Adjoint·e à la production
Vie des arts
info@viedesarts.com

Marie-Michèle Cron
Conseillère culturelle — Arts numérique et arts visuels
Conseil des arts de Montréal
marie-michele.cron@montreal.ca

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C’est avec regret que nous vous annonçons la fin des primes qui viennent avec les abonnements 2 et 3 ans. Malheureusement, le temps déployé pour mettre en place ces partenariats avec les institutions culturelles était trop important pour la petite équipe que nous sommes. Aussi, selon le dire de nos différents partenaires, l’utilisation de ces primes restait marginale : nous désirons donc mettre nos efforts dans des actions qui détiennent de réelles retombées auprès de notre communauté ; tels que la création de partenariats substantiels et
la création d’évènements et d’espaces de réflexion avec vous (plus de
détails suivront).

Si vous vous êtes abonné·e avant l’année 2026 et que vous n’avez pas reçu les primes (envoyées par courriel) : écrivez-nous à l’adresse communicatoins@viedesarts.com, et il nous fera plaisir de vous envoyer les derniers accès à certaines institutions.

Merci de soutenir la revue, et ainsi, l’écosystème artistique québécois et canadien. Votre abonnement est précieux : il vous donne avant tout accès à une vingtaine d’articles sur trois numéros, sans oublier le contenu web exclusif que nous mettrons en place ces prochains mois sur notre nouveau site internet. Parler d’art, voilà ce que nous faisons.

L’équipe de Vie des arts

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Dans la vie des arts, penser le duo aujourd’hui, c’est se demander : que reste-t-il du faire ensemble ? C’est interroger les dualités créatives des artistes, auteur·rice·s, chercheur·e·s, commissaires et travailleur·euse·s culturel·le·s, qui ne sont pas des « je ». Le binôme apparaît ici non comme une évidente équation (1 + 1 = 2), mais comme un total duquel rien ne peut se soustraire ou se multiplier (1 + 1 = 1). Le duo forme une entité, une analogie, une synchronie, un tout, sans demi-mesure. Des ami·e·s, des couples, des membres d’une même famille, des collègues sont inter-relié·e·s. Le tandem s’unit par envie de complémentarité ou par nécessité, afin de mieux (co)exister dans des contextes de précarité économique, d’infrastructures limitées et de marginalisation institutionnelle. Créer à deux devient alors une manière de partager les risques, de mutualiser les ressources, mais aussi de résister au retrait et à l’injonction de la performance exclusive. Composer avec l’autre, constamment, avec ou sans consensus. La paire déséquilibre les régimes de visibilité, redistribue les pouvoirs et rend perceptibles des formes de dépendance, de soin, mais également de négociation que l’idéologie de l’individualisme tend à dérégler.

Le duo, qu’il soit ponctuel ou perpétuel, contredit l’injonction à l’autosuffisance ; il rend visibles l’entraide réciproque, la répartition des connaissances, les compétences croisées, les mots écrits à quatre mains, en alternance ou en simultané, les pratiques hybrides, les corpus dyadiques, les réflexions à l’unisson, les dialogues.

Par le biais de ce numéro consacré à l’égalité, à la moitié et à l’autorité partagée, nous invitons des propositions qui considèrent le duo comme unité créative. Que révèlent les pratiques en duos à l’heure actuelle, dans des contextes artistiques marqués par l’hyperindividualisation et la performativité des identités ? Que signifie échanger et partager les pensées et les gestes ? Que devient l’auteur·rice lorsque la signature se dédouble, et que les notions de propriété intellectuelle et d’archive sont réparties ? Il n’y a pas de hiérarchie ou de dominant·e-dominé·e. Certaines alliances se veulent stratégiques ou protectrices, d’autres se révèlent plus instables, mais toujours en communion. À deux, que produisent les désaccords, les ruptures et les silences ? Que deviennent les initiatives, les œuvres, les récits et les affects lorsque le duo évolue, se dissout ou échoue ? Comment survivre en l’absence de l’un·e et de l’autre ?

En cette année de célébration du 70e anniversaire de Vie des arts, nous proposons ce 281e numéro qui entend inscrire des repères relationnels attestant, ici et maintenant, des modalités du travail à deux. Nous appelons des textes qui explorent des filiations, des désaccords, des négociations, des ententes, là où le duo devient un modèle (pro)actif de résistance et d’émancipation. En somme, ce numéro se veut un espace de bi-co-présence où s’inventent des manières d’être, de faire et de survivre ensemble.

Soumettre une note d’intention

Vous avez jusqu’au 1er mars, minuit, pour nous soumettre une note d’intention (350 mots) via notre formulaire en ligne, sur la page Collaborer.

Les notes d’intention doivent préciser le sujet anticipé, la liste des duos et des œuvres qui seront analysés dans le texte (s’il y a lieu). Notre appel invite également les propositions de récits visuels, qui consistent en des textes plus incarnés (deux récits par numéro). Vous êtes invité·e·s à joindre des extraits ou des références de textes antérieurs (suggéré).

Nous ferons un suivi avec les auteur·rice·s dont nous retiendrons les propositions. Les textes finaux devront être livrés au courant du mois d’avril (dates entendues avec la rédaction).

Rubriques récurrentes

Nous vous invitons également à soumettre une note d’intention pour nos contenus hors dossier. Rendez-vous sur notre page Collaborer pour proposer un article dans l’une de nos rubriques récurrentes (perspectives, visites, essais, lectures).

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Sept décennies plus tard, d’une génération à une autre, la revue est toujours là. Mais qu’est-ce que faire une revue pendant sept décennies, sinon constamment renouveler le vœu de mission de s’inscrire dans le présent ? Quelles sont les modalités pour fêter ces anniversaires en rendant hommage au passé tout en restant tourné vers le futur ? Comment poursuivre la valorisation d’un tel patrimoine culturel à travers le temps ? Malgré ces questionnements légitimes, une chose est certaine : nous soufflerons ensemble nos 70 bougies ! Souhaitons-nous 70 autres millésimes pour parler d’art.

Nous marquons, depuis longtemps, des faits de l’Histoire. Par le feu et la pierre, l’humain primitif a commencé à tracer le temps. L’astronomie a par la suite guidé le temps. Plus récemment dans l’histoire de notre humanité, selon un calendrier systématisé adapté au besoin de la vie, nous nous réunissons avec les autres ou nous retrouvons avec soi pour des moments heureux comme douloureux. Un jour accède au présent comme il est arrivé au passé. La naissance est révélée par un cri ; la mort s’enfouit en silence. Les faits historiques s’accumulent sur la ligne du temps. Les règnes se succèdent. Les corps se soulèvent pour chanter des hymnes de victoires ou huer les défaites. Entre hommage et outrage, des événements glorieux ou malheureux voient le jour comme « fériés ». Souvent associés au pouvoir, ils laissent à travers les siècles, des empreintes quasi journalières sur nos annuaires. Se souvenir, c’est aussi résister et regarder vers l’avant. Nous honorons la présence et révérons l’absence. Ériger ou déboulonner des monuments, graver des noms sur des stèles, renommer des artères, mettre les drapeaux en berne, organiser des parades militantes à la défense d’idéo logies, prendre des minutes de silence, faire le décompte des 60 secondes juste avant minuit, « popper » une bouteille de champagne, lancer des confettis, danser, autant de gestes discursifs pour se souvenir. Jadis des tambours, aujourd’hui des #hashtags – mais encore cette nécessité de marquer, de faire entendre et de voir l’Histoire, et les histoires.

L’anniversaire marque le retour d’un commencement : il inscrit une origine dans le cycle du temps. Cette date agit comme un point de passage – un moment de transmission, de réflexion, parfois de discontinuité. Il peut être récurrent ou sporadique, collectif ou plus intime, festif ou méditatif. L’anniversaire mérite une célébration et/ou une commémoration. Célébrer et commémorer partagent des sèmes communs, mais diffèrent dans leurs expressions, leurs potentialités et leurs finalités. La célébration est comparable à un corps qui se dépasse dans l’exubérance et la désinhibition. La commémoration évoque une conscience posée ; une intention réflexive pour se recueillir et se souvenir d’existences.

Dans la vie des arts, les anniversaires abondent. Nous nous arrêtons constamment. Nous regardons en arrière : rétrospectives anthumes et posthumes, résurrections d’archives, reconstitutions d’événements, fondation d’organismes autogérés, fierté institutionnelle affichée sur fond de chiffres ronds. Le numéro mise sur la célébration et/ou la commémoration – c’est selon – de maintes figures artistiques d’ici, aussi vivantes que vibrantes, dont l’illustre D. Kimm ; du legs agricole avec la famille Carrier-Bouchard ; de la beauté de vieillir de Jacqueline van de Geer ; du deuil d’atelier de Vicky Sabourin ; des 60 ans de l’Atelier Graff devenu L’imprimerie ; de la fermeture momentanée du Centre Pompidou à l’aube d’un demi-siècle d’ouverture ; de la culture avivée du rave des années 1990 à Montréal avec Caroline Hayeur et Emmanuel Galland ; des manifestations activistes du collectif ARTUNG !. Sans oublier de terminer ce numéro par un essai célébrant la seconde édition de notre prix Polygone et la personne lauréate Andes A. Beaulé.

L’objet-papier que vous tenez entre vos mains provient d’une initiative qui nous précède. Nous nous sommes demandé, à travers ce thème, quel contexte était favorable pour qu’en 1956, un groupe d’intellectuel·le·s décide de se rassembler et de modeler un cahier dans l’idée de rendre accessibles des réflexions sur l’art et la culture québécoise à une diversité de publics. Y avait-il déjà un but de célébration et de commémoration de l’art ?

La vie d’un périodique, chaque année, s’invente et se renouvelle. Au seuil du futur, les marques du passé sont perceptibles dans les pages du présent. Par ce dernier numéro de l’année, nous vous souhaitons à tous·tes une bonne lecture et un bon anniversaire !

Découvrez le contenu de ce numéro en un coup d’oeil.

L’équipe de Vie des arts

Sophie Bertrand
Fanny Charbonneau
Charles-Antoine Goulet
Jean-Michel Quirion

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