Deux ou trois raisons de souhaiter qu’un chantier dure !

Je ne suis pas maître d’œuvre. Je ne suis pas muséologue. Encore moins mécène. Le texte qui suit s’efforce de contourner le bruit médiatique qui entoure les chantiers de construction et les millions. Il s’efforce de surmonter le rempart institutionnalisé du discours des expert·e·s, qui force de plus en plus le public, y compris les professionnel·le·s des arts, à se détourner d’enjeux certes complexes, mais qui pourtant relèvent des communs. Ce que je voudrais tenter ici, c’est de réenchanter l’idée du chantier – du point de vue commissarial qui est le mien. Il ne s’agira donc pas (seulement) de béton. Il ne s’agira pas non plus (seulement) des nouveaux développements de la muséologie, une discipline qui se porte par ailleurs très bien². Il s’agira plutôt de mettre l’institution artistique en chantier, c’est-à-dire d’imaginer sa métamorphose en tant qu’institution, avec tout ce que cela implique de spéculation et d’expérimentation, de tâtonnement et d’utopie.

Un exemple de chantier muséal particulièrement stimulant est en train de se déployer sous nos yeux au Agnes Etherington Art Centre de la Queen’s University, à Kingston. Le Agnes fait l’objet – grâce à un mécène, bien sûr – d’un ambitieux projet de revitalisation et d’expansion qui en fera le plus grand musée universitaire du Canada.

Sous la direction d’Emelie Chhangur, mandatée pour mener à bien le projet de transformation, la campagne Agnes Reimagined a été lancée publiquement en 2022. Sa singularité : profiter de la commande d’un nouveau bâtiment pour réinventer le Musée. Agnes Reimagined associe étroitement la conception architecturale à la démarche commissariale que Chhangur a élaborée depuis vingt ans autour du in-reach. Cette notion redéfinit les rapports entre l’institution et ses communautés. Si le développement des publics (outreach) vise généralement à transformer les habitudes des communautés pour les amener dans l’institution, sur le mode de l’inclusion et de l’intégration, le in-reach propose d’adapter l’institution, voire d’en altérer le fonctionnement, afin qu’elle réponde plus adéquatement aux besoins et aux usages des communautés.

Comment l’architecture peut-elle concrètement s’accorder à une telle démarche? Le geste inaugural de Chhangur a consisté à ramener l’édifice historique du Agnes à sa vocation première de lieu de vie, en y aménageant une résidence d’artistes et en rebaptisant le Musée du seul prénom de sa fondatrice. L’hospitalité, ainsi désignée comme valeur fondamentale, a donné naissance à l’étape suivante : un concours architectural sollicitant des idées plutôt qu’une forme finie. Un processus de cocréation et de codéveloppement a dès lors été mis en place avec toutes les parties prenantes, depuis l’équipe d’architectes (la firme torontoise KPMB) jusqu’au personnel du Musée et à la communauté universitaire et artistique, en passant par des expert·e·s (entre autres le cabinet de conseil autochtone RIEL). Depuis deux ans, l’institution organise des cercles de parole et de partage dont les contenus alimentent la conception architecturale du futur Musée, qui accueillera plusieurs espaces d’autodétermination autochtone. Elle accompagne ce processus d’une programmation diversifiée, notamment constituée d’interventions d’artistes du graffiti sur le bâtiment, d’une exposition collective sur le «chez-soi», de rituels publics d’inventaire et de préparation des œuvres de la collection pour le déménagement, ou encore d’ateliers sur les besoins cérémoniels spécifiques des objets non occidentaux de la collection.

Le processus de transformation architecturale a ici été embrassé – voire amplifié et même ralenti – pour servir un chantier institutionnel dont la méthodologie est commissariale en ce qu’elle aborde l’institution comme une pratique de création. L’avenir dira jusqu’où le Agnes peut être réimaginé. Ce qui est probable, c’est que la livraison du bâtiment (prévue pour 2026) ne marquera pas la fin du chantier. Ce qui est certain, c’est qu’avant même le début des travaux, la terre a été remuée sur le site du Agnes et les imaginaires ont été mobilisés afin de faire émerger de nouvelles idées et pratiques muséales pour l’avenir.

Centre d’art plutôt que musée, le Palais de Tokyo propose, lui aussi, une vision vivifiante du chantier institutionnel. Nommé en 2022, son nouveau président, Guillaume Désanges, formule les grandes lignes de son programme dans un document accessible en ligne, intitulé Petit traité de permaculture institutionnelle³ (en effet, pourquoi se plier à la forme du plan stratégique pour dessiner une vision?). Prenant acte à la fois de l’urgence de la transition écologique et de la responsabilité de l’industrie artistique dans la perpétuation de logiques de production et de consommation hypercapitalistes, ce manifeste prône un changement « dans et par l’institution » qui s’enracine dans l’art et l’agriculture, grâce, d’une part, à la créativité et à la résilience de la pensée-artiste; et d’autre part, à la permaculture, qui promeut une agriculture fondée sur le respect du fonctionnement résilient des écosystèmes naturels.

Alors que des travaux structurels majeurs sont annoncés pour 2025-2026, le Palais de Tokyo s’est engagé depuis deux ans dans une vaste campagne d’« assainissement des sols ». Il s’agit, par exemple, d’adopter des pratiques de sobriété énergétique (en renonçant intégralement à la climatisation du bâtiment); de reconfigurer les espaces publics (en aménageant des friches, des espaces de repos et de travail, en élargissant l’aire accessible au public sans billet); ou encore, d’élaborer la programmation à la manière d’un écosystème (en privilégiant les collaborations au long cours, la pensée du circuit court et une logique de complémentarité). Ces gestes vertueux prennent sens – et là réside la force de la proposition – dans une approche globale : « Au-delà des thèmes d’exposition, des actions de recyclage ou de minimisation des empreintes carbones, la permaculture insuffle son esprit à l’ensemble de l’institution : gouvernance, communication, bâtiment, programmation, management, mécénat, etc. »

Au sein de ce programme institutionnel, le projet intitulé « Le Grand désenvoûtement » attire tout particulièrement l’attention. Pour ses vingt ans, en 2022, le Palais de Tokyo a invité artistes, praticien·ne·s et chercheur·euse·s à prendre la température du centre d’art et de son bâtiment, à se réapproprier son histoire et ses fantômes, « ses récits et ses identités multiples, ses désirs refoulés et ses traumatismes ». L’approche s’inspire de la psychothérapie institutionnelle, selon laquelle soigner les patient·e·s implique aussi de soigner l’institution⁴. Projets d’artistes, visites guidées sur l’architecture du Palais, performances, rencontres, événements de parole, publications et rituels chamaniques rythment désormais les programmes du Palais, ce dernier accueillant par ailleurs, ce printemps, une vaste exposition qui retrace l’histoire de la psychothérapie institutionnelle (Toucher l’insensé, jusqu’au 30 juin 2024). Par ces initiatives en grande partie publiques, l’institution se livre à un travail «introspectif, autocritique et cathartique», condition de possibilité d’une réinvention collective du rôle et de l’identité de l’institution culturelle.

La démarche in-reach et l’esprit permaculturel sont deux exemples parmi d’autres. Ces visions comportent bien évidemment leur part d’utopie. Le réel impose ses limites et nous n’en aurons jamais fini de soigner l’institution, de souhaiter la réinventer, la métamorphoser, la rendre plus humaine, plus vivante et plus accueillante. Néanmoins, Chhangur et Désanges accomplissent quelque chose de très concret. Elle et il mettent l’institution au travail en en proposant un récit, en en faisant la matière d’une dramaturgie qui sollicite et stimule les imaginaires. En même temps, elle et il aménagent des formes publiques et collectives pensées pour nous rendre l’institution plus habitable – et qui sait, désirable. Dans un contexte particulièrement préoccupant pour l’équilibre de l’écosystème artistique au Québec et au Canada, alors que les cris d’alarme sur le sous-financement des arts se font de plus en plus pressants, alors que les grandes institutions que sont les musées font l’objet d’une crise de confiance généralisée et trop souvent justifiée, il devient de plus en plus clair que le chantier de construction ne mérite pas toute l’attention fébrile qu’on lui porte. N’est-il pas plutôt souhaitable et même prioritaire de (re)mettre nos institutions – les grandes et les petites – en chantier? S’émanciper de la tyrannie du bâti pour refonder l’architecture institutionnelle : voilà une bonne raison de souhaiter qu’un chantier dure.