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La fin de notre première conversation1 nous a fait entrevoir un rapport à l’informe dans le travail en duo… Reste à définir ce que nous entendons par là. Pour ma part, je vois l’informe dans le désir de sortir de soi, de quitter son enveloppe – sa forme, comme sa formation – afin d’aller vers quelque chose d’inconnu, d’indéfini, d’incontrôlé. Par la force des choses, en binôme, le processus de création – avec ses détours, ses ratages, ses trouvailles, ses filons – s’expose, s’extériorise et, en quelque sorte, se théâtralise. En duo, on prend pleinement conscience du fait que le trajet est fluctuant, dérivant, mû par une logique incluant l’illogique, la contradiction, l’ellipse, la condensation… La création en duo, en tout cas telle que je la vis, est un art en soi. Une sorte de performance privée. Une rencontre dont l’intensité et l’étrangeté sont en elles-mêmes radicales. Ce qui résulte de la traversée conjointe des tourments et des épiphanies, c’est une soudure inouïe. Le produit final reste secondaire pour moi.

L’exposition Pepper’s Ghost, présentée à la galerie Gern en Regalia, à New York, aux États-Unis, réunit en tandem les artistes montréalais·es Connor Bokovay et Isabella Kressin. Alternant œuvres individuelles et collaboratives, le corpus met en symbiose deux pratiques distinctes convergeant vers des préoccupations à la fois symboliques et matérielles, où l’identité de chacun·e se maintient tout en se diffractant dans celle de l’autre.

L’une des fatalités des ami·e·s imaginaires tient à leur disparition progressive de nos mémoires. Celui de la fille de Nicolas Fleming s’appelait Gérard Univers. Dépourvu de corps, il communiquait avec elle par l’entremise d’un téléphone filaire autrement non fonctionnel. Apparu en pleine pandémie, cet ami a généré de la joie là où il n’y en avait plus, tout en permettant à la famille d’aborder des sujets plus difficiles. En mémoire de son apport tangible, Fleming a souhaité fixer son souvenir ainsi que celui d’un quotidien imaginé. Pour ce faire, l’artiste adopte un protocole similaire aux jeux d’enfants afin de réaliser une installation composite bâtie de sculptures, de peintures et d’assemblages surprenants.

Présentée à la Galerie Nicolas Robert, l’exposition The Cobbler’s Bridge de Simon Petepiece rassemble 14 œuvres murales – dessins gravés ou peintures sur gypse – ainsi que Crypt (2026), une installation qui occupe une place centrale dans la première salle. L’artiste montréalais s’intéresse aux environnements bâtis comme éléments porteurs de sens et de charges émotives. Détenteur d’une maîtrise en architecture de l’Université Carleton, à Ottawa, Petepiece développe sa pratique artistique en utilisant des matériaux et des procédés de construction qui furent l’objet de ses études. Cloisons sèches, plâtre, apprêt, montants en acier viennent composer ses œuvres murales et ses installations. Il s’agit de matériaux communs, industriels, bon marché, habituellement dissimulés, mais incontournables dans l’architecture contemporaine.

Orange 2018 : l’événement d’art actuel de Saint-Hyacinthe a été le cadre exceptionnel qui a permis aux jumelles que nous sommes de combiner nos domaines respectifs, l’agroalimentaire et l’histoire de l’art1. L’une agroéconomiste, l’autre historienne de l’art, nous avons embrassé notre gémellité et tissé des liens entre nos disciplines comme cocommissaires de l’événement. Nous formions plus qu’un simple duo de professionnelles unies de manière ponctuelle. Nous avions un bagage de plus de 40 ans de vie de jumelles à insuffler dans nos pratiques. D’emblée, le « je » est un « nous » aimanté par nos affinités. Nos territoires sont aussi faits de différences complémentaires qui s’appellent constamment. Nous ne pouvons pas envisager la vie sans l’autre.

La collaboration est au cœur de ma pratique d’autrice et de commissaire depuis plus de 20 ans. Mon choix, et surtout mon envie, de travailler en binôme s’est fait naturel lement, façonné par mes rencontres et les affinités naissantes avec les artistes que j’ai croisé·e·s. Je vois ça comme une rencontre amoureuse, où l’on apprend à se connaître, à considérer l’autre comme un·e possible partenaire. Créer à deux exige de la confiance, le respect des limites de chacun·e, la prise de décisions en commun, le soin apporté à la relation ainsi que l’envie d’explorer ensemble. Chaque projet a impliqué la production d’une publication, un espace privilégié pour la cohabitation des pratiques. 2004

La présence de panneaux de « texte en langage simplifié » lors de l’édition 2025 de la Biennale d’art contemporain MOMENTA m’a étonnée. Qu’est-ce que ce besoin de simplifier les cartels signifie ? Qu’on écrit des textes obscurs ? Compliqués pour rien, étant donné qu’ils sont simplifiables ? Pourquoi est-ce que je me donnerais la peine de lire un texte « compliqué » si on peut m’en donner le contenu de façon claire ? Ou est-ce que ce sont les publics montréalais qu’on présuppose incapables de comprendre des idées complexes ?

Nous créons dans un contexte où l’autonomie est devenue un impératif. L’artiste est sommé·e d’incarner une singularité identifiable, d’assumer l’originalité comme propriété. Le solo n’est plus seulement une forme : il fonctionne comme un modèle de subjectivation. Dire « je » ne relève plus d’une simple position grammaticale ; cela opère comme un qualificatif. Le « je » garantit l’authenticité, rend possible l’attribution.